Bhavi se presentará el 27 de febrero de 2026 en Foro Puebla CDMX con su trap argentino ecléctico y energético.

El artista que fusiona melancolía y energía urbana aterriza en Ciudad de México con uno de los shows más versátiles del nuevo trap latino

Artista: Bhavi
Evento / Gira: Show en CDMX 2026
Fecha: 27 de febrero de 2026
Ciudad: Ciudad de México
Recinto: Foro Puebla

Bhavi en CDMX: sensibilidad y energía en clave trap

El nuevo trap latinoamericano ya no suena solo a calle: también suena a emoción.

En ese territorio híbrido habita Bhavi, una de las figuras más singulares de la ola argentina contemporánea. Su llegada a la Ciudad de México el 27 de febrero de 2026 en Foro Puebla confirma la expansión de un artista que ha construido su identidad desde la mezcla: sentimental y festivo, melódico y explosivo, íntimo y colectivo.

Bhavi no pertenece al trap rígido.

Pertenece al trap que muta.

El universo Bhavi: del desamor melódico al estallido en vivo

Con una estética que oscila entre lo emocional y lo enérgico, Bhavi ha logrado una fórmula poco común dentro del género: canciones que pueden funcionar tanto como confesión melancólica como detonador de pogo.

Temas como “PISO”, “BÉSAME” o “FRESKO” muestran esa dualidad: hooks pop, bases trap y una interpretación vocal que transita entre vulnerabilidad y actitud. A ello se suma un repertorio de colaboraciones que lo conectan con la primera línea del movimiento urbano latino, incluyendo “Mojaa” con Duki, “No lo Entiendo” con Khea y “Hola Bebé” con Eladio Carrión.

En vivo, esa mezcla se traduce en un show de contrastes: momentos coreables y saltables alternados con pasajes más introspectivos donde la voz toma el centro emocional.

Trap argentino: identidad en expansión

La escena argentina ha redefinido el trap en español con una sensibilidad propia: letras emocionales, melodía pop y estética generacional. Bhavi forma parte de esa camada que amplió el lenguaje del género hacia territorios más híbridos.

Su doble identidad cultural —nacido en Bélgica, criado en Argentina— también atraviesa su sonido: un artista que se mueve con naturalidad entre escenas, idiomas y públicos, manteniendo siempre una impronta personal reconocible.

Foro Puebla: proximidad y catarsis colectiva

El Foro Puebla se ha convertido en un punto de encuentro clave para la nueva música urbana y alternativa en CDMX. Su escala permite una experiencia cercana donde el público no solo escucha: participa.

Ahí, el show de Bhavi se vuelve ritual compartido:

coros colectivos, saltos sincronizados y esa energía que el trap adquiere cuando deja el streaming y entra al cuerpo.

Bhavi y México: conexión orgánica con la audiencia

La relación del artista con el público mexicano ha crecido de forma sostenida gracias a reproducciones digitales, colaboraciones y giras regionales. Su reciente sencillo “SUPERELEGANTE” junto a Alemán —ya entre los temas más escuchados por sus fans— refuerza ese puente entre la escena argentina y la mexicana.

El 27 de febrero, esa conexión virtual se transformará en presencia física.

Un trap que siente y estalla

Bhavi representa una generación donde la emoción no contradice la energía. Donde el trap puede ser romántico sin perder fuerza, y festivo sin perder profundidad.

Su concierto en CDMX no será solo una sucesión de hits:

será la confirmación de una sensibilidad urbana que mezcla fragilidad y euforia.

Porque en el universo Bhavi,

la melancolía también se baila.

Six Sex se presentará el 26 de febrero de 2026 en Foro Puebla CDMX con su electro-pop oscuro y estética provocadora.

La artista argentina de electro-pop oscuro llega a Ciudad de México con un show de alto voltaje estético y sensual

Artista: Six Sex
Evento / Gira: Show en CDMX 2026
Fecha: 26 de febrero de 2026
Ciudad: Ciudad de México
Recinto: Foro Puebla

Six Sex en CDMX: erotismo digital para una generación sin filtros

Hay artistas que cantan sobre el deseo.

Y hay artistas que lo convierten en lenguaje.

Six Sex pertenece a esa nueva camada latinoamericana que entiende la sensualidad no como provocación superficial, sino como territorio identitario. Su llegada a Ciudad de México el 26 de febrero de 2026 en Foro Puebla marca el aterrizaje de una de las propuestas más radicales del electro-pop alternativo actual: cruda, sexual, glitchy y profundamente generacional.

En su universo, el cuerpo es discurso.

La pista de baile, confesionario.

Y el deseo, estética.

El sonido Six Sex: pop mutante, electrónica y pulsión club

La propuesta de Six Sex se mueve entre el electro-pop oscuro, el hyperpop y la electrónica de club, con beats industriales, bajos saturados y una voz que oscila entre susurro íntimo y declaración explícita. Sus canciones habitan una zona donde lo sensual y lo digital se funden: erotismo atravesado por pantallas, nightlife y cultura online.

Más que canciones tradicionales, su catálogo funciona como cápsulas de energía nocturna: fragmentos de deseo, ironía y vulnerabilidad que dialogan con una generación criada entre apps, cuerpos performativos y libertad identitaria.

Foro Puebla: intimidad sudorosa en escala club

El Foro Puebla —espacio que ha albergado propuestas alternativas y electrónicas— resulta el entorno natural para la experiencia Six Sex: cercanía física, volumen alto y un público que vive el concierto como ritual corporal.

En vivo, la artista construye una estética que combina:

sensualidad explícita
performance corporal
visuales minimalistas
energía rave
actitud punk-pop

Su show no busca distancia: busca contacto.

No contempla: provoca.

Erotismo y autonomía: el discurso detrás del espectáculo

Detrás de la provocación visual existe una narrativa clara: la reapropiación del deseo femenino y queer desde una perspectiva contemporánea latinoamericana. Six Sex no estetiza el erotismo para la mirada externa: lo desplaza hacia la autoafirmación.

Su figura dialoga con una escena emergente donde la sexualidad se expresa sin culpa ni traducción: directa, irónica y autónoma. En ese sentido, su irrupción forma parte de un movimiento más amplio del pop alternativo regional que desafía normas de género, moral y representación.

CDMX: territorio natural para el pop disidente

La Ciudad de México se ha consolidado como uno de los epicentros latinoamericanos de la electrónica alternativa, el club culture y las identidades disidentes. Por eso la conexión con Six Sex resulta orgánica: público abierto, escena nocturna vibrante y sensibilidad estética afín.

El 26 de febrero, Foro Puebla no solo recibirá un concierto: recibirá una experiencia sensorial donde música, cuerpo y actitud se entrelazan.

Porque en el universo Six Sex, el deseo no se canta:

se performa.

Se suda.

Se comparte.

Kali Uchis cierra su Sincerely Tour el 25 de febrero de 2026 en el Palacio de los Deportes CDMX con su etapa más íntima y emocional.

La artista colombo-estadounidense cierra su gira latinoamericana en México con su etapa más íntima y vulnerable

Artista: Kali Uchis
Evento / Gira: The Sincerely, Tour
Fecha: 25 de febrero de 2026
Ciudad: Ciudad de México
Recinto:

Kali Uchis en CDMX: romantizar la vida para sobrevivirla

Hay artistas que cantan sobre el amor.

Y otros que lo convierten en arquitectura emocional.

Kali Uchis pertenece a esa segunda especie: creadoras que transforman la vulnerabilidad en estética, la nostalgia en atmósfera y el deseo en lenguaje propio. Por eso su regreso a la Ciudad de México —el 25 de febrero de 2026 en el Palacio de los Deportes— no se percibe como una parada más de gira, sino como la llegada de una narrativa que ha crecido en paralelo con su público latino.

El cierre mexicano de The Sincerely, Tour marca también la consolidación de su etapa más íntima: un periodo donde la artista ha puesto en primer plano el amor como fuerza curativa y su mundo interior como territorio creativo.

Sincerely: la confesión convertida en pop etéreo

Si ORQUÍDEAS (2024) representó la expansión estética de Kali Uchis, Sincerely (2025) y su edición Sincerely: P.S. funcionan como su centro emocional. El álbum —escrito y producido ejecutivamente por ella misma— despliega 19 piezas donde R&B, soul, pop alternativo y matices latinos se funden en una atmósfera cinematográfica y melancólica.

Canciones como “All I Can Say” o el tema bilingüe “Cry About It” junto a Ravyn Lenae revelan a una artista que no busca espectacularidad: busca verdad emocional. El proyecto romantiza la vida cotidiana, el amor profundo y la introspección como formas de resistencia ante el ruido contemporáneo.

Es su trabajo más desnudo.

Y, paradójicamente, el más expansivo.

Kali Uchis en Palacio de los Deportes: intimidad en escala arena

Tras una gira norteamericana con 29 arenas agotadas y más de 300 mil asistentes, el reto de la etapa latinoamericana ha sido traducir esa intimidad a recintos masivos. En escena, Kali Uchis ha desarrollado un lenguaje visual que prolonga la estética del álbum: iluminación suave, narrativa romántica y una presencia escénica que oscila entre diva clásica y figura etérea.

El Palacio de los Deportes será el último capítulo latino del tour y promete un recorrido que conectará sus eras:

del R&B alternativo de Isolation

al español hipnótico de Sin Miedo

la sensualidad cósmica de Red Moon in Venus

la exuberancia latina de ORQUÍDEAS

y la introspección de Sincerely.

Un trayecto donde cada etapa no reemplaza a la anterior: la contiene.

Entre dos culturas: identidad sonora sin fronteras

Parte de la singularidad de Kali Uchis proviene de su biografía musical: nacida entre Estados Unidos y Colombia, su obra siempre ha transitado sin jerarquías entre inglés y español, soul y reggaetón, pop alternativo y tradición latina.

Esa fluidez la convirtió en una de las artistas más influyentes de la última década:

“telepatía” superó dos mil millones de streams y se mantuvo 23 semanas en el Hot 100 —un récord para una solista en español—, mientras que ORQUÍDEAS debutó en el #2 del Billboard 200 y consolidó su estatus global.

Pero más allá de cifras, su impacto reside en algo más sutil: una estética emocional reconocible al instante.

El amor como estética: el universo Uchis

La nueva era no gira en torno al desamor o la ruptura —territorio habitual del pop— sino al amor como refugio, ternura y sanación. Esa elección conceptual, reforzada por su reciente maternidad, ha impregnado su música de una calidez introspectiva poco común en el mainstream contemporáneo.

Sincerely no es un álbum de proclamaciones: es de susurros.

De atmósferas.

De emociones que no explotan, sino que envuelven.

En vivo, esa sensibilidad se convierte en experiencia colectiva: miles de personas compartiendo una misma frecuencia emocional.

CDMX: último acto de una narrativa continental

Que la gira latinoamericana concluya en la Ciudad de México no es casual: el país ha sido históricamente uno de los territorios más receptivos a la dualidad lingüística y sonora de Kali Uchis. Aquí, su mezcla de soul, pop y latinidad no se percibe híbrida, sino natural.

El 25 de febrero, el Palacio de los Deportes no solo recibirá un concierto: recibirá el cierre de una etapa creativa donde la artista ha decidido mirar hacia adentro para expandirse hacia afuera.

Porque en el universo Uchis, romantizar la vida no es ingenuidad.

Es supervivencia estética.

Y el amor, más que tema, es atmósfera.

Los Espíritus tocarán el 23 de abril de 2026 en el Lunario CDMX con su nueva etapa Camina y su psicodelia latina característica.

La banda argentina regresa a la capital con nueva música y el mismo trance hipnótico que la convirtió en culto del rock latinoamericano

Artista: Los Espíritus
Evento / Gira: Tour Camina 2026
Fecha: 23 de abril de 2026
Ciudad: Ciudad de México
Recinto: Lunario del Auditorio Nacional

Los Espíritus en CDMX: la ceremonia del groove latino

Hay bandas que hacen canciones.

Y otras que crean estados de conciencia.

Desde hace más de quince años, Los Espíritus habita esa segunda dimensión: un territorio donde el blues se vuelve trance, la psicodelia respira en español y la tradición latinoamericana se mezcla con la electricidad de la ciudad moderna.

Ese universo volverá a desplegarse el 23 de abril de 2026 en el Lunario del Auditorio Nacional, escenario ideal para su liturgia sonora: cercana, envolvente y casi ritual.

La visita coincide con el nacimiento de una nueva etapa creativa marcada por Camina (2025), single y EP que prolongan la exploración abierta en La Montaña (2023) y confirman que la banda sigue avanzando sin perder su raíz independiente.

Camina: psicodelia setentera con pulso contemporáneo

En Camina, Los Espíritus no miran al pasado: lo invocan.

La canción recoge la esencia de la psicodelia latina de los años 70 —percusión orgánica, guitarras reverberantes, groove circular— y la reinterpreta desde una sensibilidad actual, urbana y mística a la vez.

El mensaje es simple y profundo: seguir.

No soltar “ese timón de los sueños divinos”.

Avanzar incluso cuando el camino es incierto.

No es casual que el tema haya generado una expectativa inusual: junto a los adelantos “Caro” y “Chopp Al Hielo”, suma cientos de miles de escuchas y marca el comienzo de un ciclo que el grupo ha ido probando en vivo antes de fijarlo en estudio, fiel a su método de construcción orgánica.

Los Espíritus en Lunario: el ritual en vivo

Ver a Los Espíritus en directo no es asistir a un concierto convencional: es entrar en un pulso.

Un flujo rítmico donde cada instrumento se entrelaza hasta generar una sensación hipnótica y expansiva.

El Lunario, por su cercanía y acústica envolvente, permitirá percibir con precisión la arquitectura sonora del grupo: percusiones profundas, guitarras filosas, bajo elástico y la voz de Maxi Prietto como guía de un viaje que oscila entre lo terrenal y lo cósmico.

El repertorio combinará el nuevo material con piezas esenciales de su discografía —de Gratitud a La Montaña— en un recorrido que muestra la evolución de una banda que ha sabido crecer sin diluir su identidad.

México y Los Espíritus: una relación fundacional

La historia entre Los Espíritus y México tiene algo de destino.

Antes de giras internacionales o festivales masivos, fue una canción —“Lo Echaron del Bar”— la que cruzó fronteras gracias al impulso espontáneo de la radio pública alternativa.

Aquella difusión temprana convirtió al país en uno de los primeros territorios donde la banda encontró eco real. Hoy, más de una década después, la Ciudad de México es la segunda ciudad del mundo que más escucha su música en plataformas.

No es solo audiencia: es afinidad estética.

La mezcla de blues, raíz latinoamericana y psicodelia urbana dialoga naturalmente con el imaginario musical de la capital.

Independencia, trance y continuidad

En una industria cada vez más homogeneizada, Los Espíritus siguen representando una vía paralela: autogestión, libertad creativa y coherencia sonora. Su trayectoria —de salas caseras a escenarios internacionales— ha demostrado que la identidad puede sostenerse sin concesiones.

Ese principio se escucha en cada etapa:

del blues primitivo de Gratitud (2015)

al misticismo expansivo de Caldero (2019)

la síntesis eléctrica de Sancocho Stereo (2022)

y la ambición textural de La Montaña (2023).

Camina prolonga esa línea: no ruptura, sino continuidad en movimiento.

Seguir caminando: la poética del avance

El regreso al Lunario no es solo una fecha más en la agenda.

Es la confirmación de una relación que creció en paralelo con la propia banda: de descubrimiento alternativo a culto latinoamericano.

El 23 de abril, la psicodelia volverá a respirarse en español, el blues tendrá acento rioplatense y la noche capitalina se moverá al ritmo de un groove que no pide atención: la captura.

Porque algunas músicas se escuchan.

Y otras se habitan.

Jorge Medina y Josi Cuen en Auditorio Nacional: cuatro conciertos en CDMX en septiembre 2026. Preventa 25 de febrero. El regional mexicano se une en vivo.

📍 8, 9, 10 y 11 de septiembre de 2026 – Auditorio Nacional, Ciudad de México
🎟️ Preventa Banamex: 25 de febrero en Ticketmaster
🎟️ Venta general: 26 de febrero en taquillas y Ticketmaster

Jorge Medina y Josi Cuen en Auditorio Nacional: el regional se une

El regional mexicano vivirá uno de sus encuentros más esperados del año con Jorge Medina y Josi Cuen en Auditorio Nacional, quienes confirmaron cuatro conciertos los días 8, 9, 10 y 11 de septiembre de 2026 en la Ciudad de México. El anuncio, realizado en conferencia de prensa, desató la emoción de los fans al reunir en un mismo escenario a dos de las voces más representativas del género, en un espectáculo que promete nostalgia, potencia vocal y conexión emocional con el público.

Este encuentro marca un momento especial en la historia reciente del regional: dos exvocalistas de La Arrolladora Banda El Limón que, tras consolidar carreras propias, deciden unir repertorios, estilos y trayectorias en una gira conjunta que celebra décadas de éxitos.

Historia compartida: Jorge Medina y Josi Cuen en Auditorio Nacional

Tanto Jorge Medina como Josi Cuen son figuras clave en la evolución moderna de la banda sinaloense. Medina aportó durante años una voz rasposa y pasional que definió clásicos del género, mientras que Cuen introdujo una interpretación melódica y poderosa que amplió el alcance comercial del grupo.

Tras sus salidas de La Arrolladora, ambos emprendieron caminos solistas con giras propias y nuevos sencillos, manteniendo una base de seguidores sólida en México y Estados Unidos. La gira conjunta representa la convergencia de estas dos etapas: pasado icónico y presente vigente.

En los conciertos del Auditorio Nacional, el público podrá escuchar himnos que marcaron una era del regional mexicano, así como temas representativos de sus carreras individuales. El concepto del show apuesta por un formato de alternancia y colaboración en escena, donde ambos artistas compartirán canciones y momentos, reforzando la narrativa de amistad y legado común.

Durante la conferencia, los cantantes destacaron el significado emocional del proyecto:

“Es un reencuentro con nuestra historia y con la gente que nos ha acompañado desde siempre”, compartieron ante medios y fans.

Como dato clave, reunir cuatro fechas consecutivas en el Auditorio Nacional confirma el poder de convocatoria del regional mexicano en la capital, un territorio históricamente dominado por el pop y el rock, pero cada vez más abierto a la música de banda en gran formato.

Un encuentro que celebra al regional mexicano

Más que una gira, Jorge Medina y Josi Cuen en Auditorio Nacional es una celebración de identidad, memoria musical y conexión generacional. Cuatro noches donde la nostalgia, el sentimiento y la fuerza del regional se vivirán a todo volumen en uno de los recintos más importantes del país.

Porque cuando dos voces que marcaron una historia se encuentran otra vez en el mismo escenario, el resultado no es solo un concierto: es un acontecimiento.

Vilma Palma e Vampiros se presentará el 20 de febrero de 2026 en el Pepsi Center CDMX con sus grandes éxitos del pop-rock latino de los 90.

La banda argentina convertirá el Pepsi Center en una celebración colectiva de pop-rock latino y memoria generacional

Artista: Vilma Palma e Vampiros
Evento / Gira: Show en México 2026
Fecha: 20 de febrero de 2026
Ciudad: Ciudad de México
Recinto: Pepsi Center

Vilma Palma e Vampiros en CDMX: cuando la memoria se vuelve baile

Hay canciones que no solo suenan: aparecen. Basta una guitarra inicial, un coro luminoso o un estribillo que alguna vez gritamos sin pensar en el futuro, y de pronto todo vuelve: la adolescencia, la radio encendida, las fiestas interminables donde el pop latino era sinónimo de pertenencia.

Ese territorio emocional es el que Vilma Palma e Vampiros ha habitado durante más de tres décadas, y que el próximo 20 de febrero de 2026 se encenderá nuevamente en la Ciudad de México cuando la banda argentina lleve su repertorio histórico al escenario del Pepsi Center.

No será solo un concierto: será una memoria colectiva en movimiento.

Del fenómeno noventero al clásico latinoamericano

Formados en 1991 en Rosario, Argentina, Vilma Palma e Vampiros surgieron en un momento donde el pop-rock latinoamericano buscaba identidad propia. Su debut La Pachanga no solo los catapultó al estrellato —con más de un millón de copias vendidas— sino que definió una estética: melodías radiantes, ritmo bailable y una emocionalidad directa que conectó de inmediato con el público continental.

Con el tiempo, canciones como “Auto Rojo”, “Mojada”, “Bye Bye” o la propia “La Pachanga” dejaron de ser éxitos para convertirse en rituales generacionales. Temas que no pertenecen ya a una década, sino a la memoria cultural de Latinoamérica.

Treinta y cinco años después, la banda no vive de la nostalgia: la administra, la reinterpreta y la mantiene viva en nuevas audiencias. Sus más de 4.2 millones de oyentes mensuales en plataformas lo confirman: la herencia noventera sigue respirando.

Vilma Palma e Vampiros en el Pepsi Center: la fiesta como identidad

El regreso a México llega tras su participación en Vive Latino 25, reafirmando una relación histórica entre la banda y el público mexicano. El show del 20 de febrero promete un recorrido por los himnos que definieron su trayectoria, junto con su sencillo reciente “Lo Que Pienso De Vos”, evidencia de que su lenguaje musical sigue activo.

El Pepsi Center —espacio asociado a conciertos de comunión generacional— se convertirá en un escenario de celebración compartida. Porque el repertorio de Vilma Palma no se escucha en silencio: se canta, se baila y se revive en colectivo.

Su alineación actual, encabezada por Mario “Pájaro” Gómez, mantiene la esencia escénica que los caracterizó desde los noventa: energía frontal, coros expansivos y una conexión directa con la audiencia.

La vigencia de la alegría: por qué Vilma Palma sigue importando

En una época musical marcada por la fragmentación de géneros y audiencias, Vilma Palma e Vampiros representa algo cada vez más raro: canciones que atraviesan generaciones sin perder sentido. Su pop-rock no dependía de tendencias efímeras, sino de una emoción elemental —la celebración— que sigue siendo universal.

Quizá por eso su música permanece. Porque habla desde un lugar simple pero profundo: la necesidad de bailar juntos, de cantar sin ironía, de recordar que hubo un tiempo donde el futuro parecía tan luminoso como un estribillo.

El 20 de febrero de 2026, en el Pepsi Center, esa luz volverá a encenderse.

Y miles de voces comprobarán que algunas canciones no envejecen: solo esperan el momento de volver a sonar.

Meme del Real debutará como solista en el Teatro Metropólitan de CDMX el 19 de febrero de 2026, presentando su nueva etapa musical e identidad sonora personal.

El arquitecto sonoro de Café Tacvba abre su etapa más íntima con un concierto que celebra su identidad musical en solitario

Artista: Meme del Real
Evento / Gira: Debut solista en vivo
Fecha: 19 de febrero de 2026
Ciudad: Ciudad de México
Recinto: Teatro Metropólitan

Meme del Real en el Teatro Metropólitan: la intimidad después del mito

Hay artistas que pasan décadas construyendo himnos colectivos y, de pronto, sienten la necesidad de hablar en singular. No porque el pasado pese, sino porque la identidad también necesita silencio, cercanía y espacio propio. Ese momento parece haber llegado para Emmanuel “Meme” del Real, quien el próximo 19 de febrero de 2026 debutará oficialmente como solista en el Teatro Metropólitan de la Ciudad de México.

La noticia no solo marca un concierto: señala una transición emocional dentro de la historia reciente del rock alternativo mexicano. Después de décadas como uno de los pilares creativos de Café Tacvba —banda que redefinió el ADN musical de varias generaciones— Meme abre ahora un territorio personal donde la autoría se vuelve confesión y el sonido, biografía.

Del arquitecto de Café Tacvba al narrador en primera persona

Hablar de Meme del Real es hablar de la estructura misma de Café Tacvba: teclados, guitarras, composición, producción y una sensibilidad melódica que dio forma a canciones esenciales como “Eres”, “La Ingrata” o “El Baile y el Salón”. Más que integrante, ha sido uno de los arquitectos emocionales del grupo.

Pero su trayectoria siempre fue más amplia que una sola banda. Como productor y colaborador, su huella atraviesa proyectos clave del pop y rock latinoamericano: Julieta Venegas, Natalia Lafourcade, Ely Guerra, Los Bunkers, Austin TV o Pepe Aguilar. Ese tránsito entre escenas y géneros consolidó su perfil como un músico profundamente curioso, abierto a la mezcla y a la evolución constante.

Su etapa solista, iniciada en los últimos años en paralelo a Café Tacvba, no surge como ruptura sino como expansión. Una exploración de géneros y emociones que tal vez no cabían dentro del universo colectivo de la banda.

Canciones que reinventan la tradición: el sonido solista de Meme

Los sencillos que anteceden este debut dibujan un mapa sonoro diverso y coherente. “Princesa” transita de la balada romántica hacia lo electrónico; “Tumbos” cruza bachata y pop; “Incomprensible” reimagina el bolero desde arreglos contemporáneos; y “Embeces”, su lanzamiento más reciente, incorpora sonoridades del regional mexicano en diálogo con el pop alternativo.

No se trata de eclecticismo gratuito, sino de una lógica clara: la tradición latinoamericana reinterpretada desde la sensibilidad de un compositor que ha vivido dentro del rock, pero nunca limitado por él. Meme del Real aparece aquí como un explorador de identidades musicales, alguien que conecta pasado y presente sin nostalgia ni pose.

Qué esperar del debut solista de Meme del Real en el Teatro Metropólitan

El concierto del 19 de febrero de 2026 se plantea como una experiencia íntima más que como un espectáculo retrospectivo. Meme presentará en vivo las canciones de su primer álbum solista —aún en desarrollo— junto con momentos emblemáticos de su trayectoria.

El Metropólitan, recinto históricamente asociado a la escucha y la cercanía sonora, parece el espacio natural para esta transición: un lugar donde la escala humana del teatro coincide con la dimensión personal de esta nueva etapa artística.

Será un show construido alrededor de su universo sonoro propio: híbrido, latinoamericano, emocional y experimental en matices más que en forma. La oportunidad de ver a un músico acostumbrado al colectivo enfrentarse a la belleza y al riesgo de la voz individual.

La transformación como identidad: el nuevo capítulo de Meme

A lo largo de su carrera, Meme del Real ha acompañado transformaciones musicales colectivas. Ahora encarna una personal. Su debut solista no representa distancia de Café Tacvba, sino continuidad desde otro ángulo: el del compositor que decide habitar sus canciones sin intermediarios.

Hay algo profundamente simbólico en este momento. Después de años creando himnos que millones hicieron propios, Meme se dispone a cantar desde un lugar más desnudo, más cercano y quizá más vulnerable.

Porque a veces la evolución no consiste en cambiar de sonido, sino en cambiar de pronombre: pasar del “nosotros” al “yo” sin dejar de pertenecer a la historia que te formó.

El 19 de febrero de 2026, en el Teatro Metropólitan, esa historia tendrá una nueva voz.

Cris Méndez lanza “En Mi Cama”, sencillo que inaugura una nueva etapa solista dentro del pop íntimo y emocional contemporáneo.

La cantautora madrileña profundiza en la intimidad emocional del pop contemporáneo con un sencillo honesto que consolida su identidad autoral

Artista: Cris Méndez
Sencillo: En Mi Cama
Fecha de lanzamiento: 2026
Recinto / Festival: Lanzamiento digital

Cris Méndez y la intimidad como territorio sonoro en “En Mi Cama”

Hay canciones que no buscan ser himnos, sino refugios. Espacios donde la emoción se queda a vivir sin artificios. En esa geografía íntima se mueve “En Mi Cama”, el nuevo sencillo de la cantautora madrileña Cris Méndez, una pieza que confirma la madurez de su etapa solista y su lugar dentro del pop emocional contemporáneo.

La canción abre un nuevo capítulo en su trayectoria: una narrativa directa, cercana, donde lo cotidiano se vuelve confesión y la vulnerabilidad se convierte en lenguaje musical. Con una interpretación contenida y honesta, Méndez reafirma el sello que ha definido su carrera: sensibilidad sin dramatismo y verdad sin adornos.

De Varada a la voz propia: evolución artística de Cris Méndez

El camino de Cris Méndez no surge de la inmediatez, sino de una construcción paciente. Sus primeros pasos ocurrieron como vocalista, guitarrista y compositora en la banda Varada, etapa que cimentó su identidad musical. Tras esa experiencia, decidió apostar por un proyecto en solitario donde la guitarra acústica y la narrativa emocional se volvieron ejes centrales de su sonido.

Un momento clave en su proyección fue su incorporación como guitarrista y corista en la banda de Dani Martín, acompañándolo en giras nacionales e internacionales. Ese tránsito por escenarios mayores no solo amplió su alcance, también fortaleció su presencia artística y su comprensión del pop de gran formato.

Como solista, sus discos Cris Méndez (2015), Zona de Confort (2017) y Qué hay de malo en disfrutarlo (2019) muestran una evolución clara: de un pop orgánico inicial hacia producciones más contemporáneas sin perder su esencia de cantautora.

“En Mi Cama”: pop íntimo, cotidiano y honesto

En “En Mi Cama”, Cris Méndez se acerca aún más a la experiencia personal. La canción explora emociones diarias desde un espacio privado —literal y simbólico— donde el amor, la vulnerabilidad y la memoria conviven sin grandilocuencia.

Musicalmente, el tema se sitúa en el pop contemporáneo de raíz acústica que caracteriza su obra, priorizando la interpretación y la letra sobre la ornamentación sonora. Es un pop que respira, que deja espacio al silencio y a la cercanía, y que convierte lo doméstico en paisaje emocional.

El lanzamiento marca además el inicio de una nueva etapa artística, reafirmando a Méndez como una de las voces más genuinas y sensibles del pop actual de autor.

Una voz femenina coherente dentro del pop español

A lo largo de su trayectoria, Cris Méndez ha construido una identidad basada en la coherencia artística y la honestidad interpretativa. Su propuesta se inscribe dentro del pop independiente español con una sensibilidad autoral marcada y una conexión emocional directa con el público tanto en España como en Latinoamérica.

“En Mi Cama” no es un giro radical, sino una profundización: la confirmación de que su camino creativo avanza hacia una mayor desnudez emocional y una narrativa cada vez más cercana.

Porque hay artistas que crecen hacia afuera —más producción, más volumen, más espectáculo— y otros que crecen hacia adentro. Cris Méndez pertenece a estos últimos: los que hacen de la intimidad un acto de resistencia poética.

Zetta One anuncia Gira México 2026 con shows en CDMX y Guadalajara, llevando el rap alternativo de Medellín a la escena independiente mexicana.

Tras consolidarse en Altavoz y expandir su identidad sonora con Palíndromo, el rapero colombiano proyecta su universo introspectivo hacia la escena independiente mexicana.

Artista: Zetta One
Gira: Gira México 2026
Fecha: 2026
Ciudades: Guadalajara / Ciudad de México
Formato: Showcases, conciertos y encuentros de industria

Zetta One y la geografía emocional del rap de Medellín

Hay raps que nacen del ritmo.

Y otros que nacen de la memoria.

La música de Zetta One pertenece a esta segunda estirpe: una forma de hip hop donde la palabra no busca impacto inmediato sino resonancia interior. Desde Medellín —ciudad que en la última década se ha convertido en un laboratorio sonoro del rap latinoamericano— el artista ha construido una identidad que dialoga con la introspección, la musicalidad orgánica y la exploración emocional del género.

Su Gira México 2026 no es solo una serie de presentaciones: es la expansión territorial de una narrativa personal que ha crecido en el circuito underground colombiano y que ahora encuentra eco en la escena independiente mexicana.

Del freestyle a Palíndromo: evolución del rap alternativo de Zetta One

El recorrido de Zetta One inicia en el freestyle en 2011, donde la improvisación y el contacto directo con el público moldearon su relación con la palabra. Con el tiempo, ese impulso derivó en la formación de la banda Jazz Hop Zetta Petta, un proyecto que introdujo instrumentación orgánica y sensibilidad jazzística a su universo sonoro.

Esa búsqueda desemboca en Palíndromo (2024), su primer álbum de estudio: un trabajo donde el rap se expande hacia texturas instrumentales y estructuras menos convencionales. El disco consolidó su madurez creativa y definió el tono introspectivo que hoy caracteriza su propuesta.

En canciones como “Pájaros” o el propio “Palíndromo”, el flow evita la agresividad clásica del rap de competencia para instalarse en una cadencia reflexiva, casi narrativa, donde cada verso parece pensado para habitar más que para impactar.

Altavoz y el salto internacional del rap de Medellín

El año 2025 marcó un punto de inflexión. Su participación en el Festival Altavoz —uno de los espacios más relevantes del rock y rap latinoamericano— lo posicionó como uno de los nombres emergentes más sólidos del circuito, obteniendo los puntajes más altos en audiciones y Conciertos Ciudad Altavoz dentro de la categoría rap.

Compartir escenario con referentes internacionales como Saïan Supa Crew y con íconos latinoamericanos como La Maldita Vecindad reforzó su visibilidad y confirmó la capacidad de su propuesta para dialogar con escenas diversas sin perder identidad.

Ese reconocimiento funciona hoy como plataforma para su expansión hacia nuevos territorios.

Gira México 2026: Medellín y la escena independiente mexicana

La visita a Guadalajara y Ciudad de México —con actividades en el marco de la FIM y presentaciones en el circuito independiente— representa la continuidad de un vínculo que comenzó con su primera gira mexicana en 2020.

Pero esta vez el contexto es distinto: Zetta One llega con un álbum consolidado, mayor proyección internacional y una estrategia clara de circulación en mercados como Circulart y Bomm. La gira incluirá showcases, encuentros con industria y conciertos que buscan tejer puentes entre Medellín y la escena under mexicana.

Más que una visita promocional, la Gira México 2026 funciona como gesto cultural: el diálogo entre dos geografías históricamente conectadas por el hip hop latino.

El rap como territorio de identidad

La relevancia de Zetta One no radica solo en su crecimiento internacional, sino en la coherencia estética de su propuesta. En un momento donde el rap latino se diversifica entre lo comercial y lo experimental, su música insiste en la introspección, la instrumentación orgánica y la narrativa personal.

Su llegada a México confirma algo más amplio: el rap de Medellín ya no es solo escena local, sino lenguaje regional en expansión.

Y en ese movimiento, la voz de Zetta One —reflexiva, orgánica, profundamente humana— encuentra nuevos territorios donde resonar.