KIDD WINGS llegará a Fuckoffroom para “El último show” de PEPELEPLUGG La escena underground de la Ciudad de México continúa moviéndose y est...

KIDD WINGS llegará a Fuckoffroom para “El último show” de PEPELEPLUGG




La escena underground de la Ciudad de México continúa moviéndose y este próximo 7 de junio llegará una nueva fecha para quienes siguen de cerca el sonido emergente dentro de la música urbana alternativa.

El artista KIDD WINGS será parte de “El último show” de PEPELEPLUGG, evento que se realizará en Fuckoffroom a partir de las 6:00 PM.


La presentación será para todas las edades, manteniendo el espíritu accesible y cercano que caracteriza a gran parte de la escena independiente actual.


KIDD WINGS, también conocido en redes como @thekiddwings, ha comenzado a llamar la atención dentro del circuito underground gracias a una propuesta ligada a la nueva ola de artistas emergentes que mezclan sonidos urbanos, estética alternativa y una fuerte presencia visual.


Con una comunidad que ya supera los 10 mil seguidores en Instagram, el proyecto continúa creciendo dentro de espacios donde el contacto directo con el público sigue siendo parte esencial de la experiencia.


Por su parte, Fuckoffroom se ha consolidado como uno de los venues clave para la música alternativa en CDMX, funcionando como plataforma para artistas nuevos y propuestas que encuentran en el under un lugar para desarrollarse fuera del circuito tradicional.


🎟 Los boletos ya se encuentran disponibles a través de Boletia

Ronco anuncia gira por Japón 2026 y prepara el lanzamiento de “Morena de Fuego”, un sencillo inspirado en el legado latino de Carlos Santana...

Ronco anuncia gira por Japón 2026 y prepara el lanzamiento de “Morena de Fuego”, un sencillo inspirado en el legado latino de Carlos Santana.


El músico mexicano emprende una travesía por Tokio, Osaka, Kobe y Kyoto mientras prepara el lanzamiento de “Morena de Fuego”, un sencillo inspirado en el legado latino de Carlos Santana.

Artista: Ronco
Evento / Gira: Gira por Japón 2026
Fecha: 14 al 31 de mayo de 2026
Ciudad: Tokio, Osaka, Kobe y Kyoto, Japón
Recinto / Festival: Ruby Room, GATTACA, SAMURAI, Club ROOTS y más


Ronco y Japón: una gira que expande su identidad musical

Hay artistas que entienden la música como un territorio emocional. Ronco pertenece a esa generación de músicos que convierten cada canción en una atmósfera y cada escenario en un espacio íntimo, incluso a miles de kilómetros de casa. Ahora, el músico y arquitecto originario de la Ciudad de México da un paso importante en su evolución artística con una extensa gira internacional por Japón, llevando su propuesta sonora a algunos de los circuitos alternativos más interesantes de Tokio, Osaka, Kobe y Kyoto.


La gira de Ronco por Japón arrancará el próximo 14 de mayo en el Berlin Party Tokyo dentro del Ruby Room en Shibuya, y continuará con ocho fechas producidas por Play in Japan & Jinmy Vitte. Este recorrido llega justo antes del estreno de “Morena de Fuego”, su nuevo sencillo programado para el 21 de mayo, una canción que funciona como homenaje al legado de Carlos Santana y al espíritu del son latino.


“Morena de Fuego”: el nuevo capítulo de Ronco

Con una narrativa cargada de deseo, nostalgia y calor emocional, “Morena de Fuego” construye una atmósfera intensa donde la guitarra y la sensibilidad latina se funden en un viaje profundamente cinematográfico. La canción fue escrita “para un amante de fuego”, explorando la pasión desde una mirada elegante y melancólica.


Esta nueva etapa encuentra a Ronco en uno de sus momentos más sólidos. Después de participar en la gira de aniversario de Reyno —incluyendo presentaciones en el Auditorio Nacional— y colaborar con Enrique Bunbury en una live session, el artista ha comenzado a consolidar una identidad propia que mezcla sensibilidad alternativa, folk latino y una estética introspectiva.


Previo a su viaje, Ronco se presentó el pasado 6 de mayo en el Foro del Tejedor junto a La Zorra Zapata, reafirmando la conexión emocional que mantiene con el público mexicano. Ahora, Japón se convierte en el siguiente escenario para expandir un proyecto que parece construido desde la contemplación, el detalle y la búsqueda constante de nuevos paisajes sonoros.


Más que una gira, este recorrido representa una transición artística: la confirmación de que las canciones de Ronco ya comenzaron a viajar solas por el mundo.

Arde Bogotá regresa con “Instrucciones”, un explosivo sencillo que adelanta su próximo álbum y confirma su fuerza en el rock español. La ban...

Arde Bogotá regresa con “Instrucciones”, un explosivo sencillo que adelanta su próximo álbum y confirma su fuerza en el rock español.


La banda de Cartagena regresa con un sencillo explosivo, más oscuro e intenso, que adelanta el sonido de su próximo álbum de estudio

Artista: Arde Bogotá
Lanzamiento: “Instrucciones”
Fecha: Disponible ahora
Ciudad: Cartagena / España
Plataformas: Spotify, YouTube y servicios digitales


Hay canciones que llegan como un anuncio. Otras, como una advertencia. “Instrucciones”, el nuevo sencillo de Arde Bogotá, cae en ese segundo territorio: un golpe de adrenalina que no pide permiso y que deja claro que la banda española no piensa bajar la intensidad en esta nueva etapa.


Después de convertir discos como La noche y Cowboys de la A3 en piezas fundamentales del nuevo rock en español, el cuarteto regresa con una canción que conserva la urgencia emocional de su esencia, pero empuja el sonido hacia un lugar más oscuro, filoso y ambicioso. Desde los primeros segundos, “Instrucciones” construye tensión: guitarras afiladas, una batería que acelera el pulso y un riff diseñado para quedarse atrapado en la memoria colectiva de los conciertos futuros.


“Instrucciones” confirma la evolución de Arde Bogotá

El sencillo funciona como el primer adelanto del tercer álbum de estudio de la agrupación y representa una evolución natural para una banda que ha entendido cómo crecer sin traicionar su identidad. Antonio García, Dani Sánchez, Pepe Esteban y José Ángel Mercader vuelven a demostrar que el rock todavía puede sentirse urgente, emocional y generacional.


La producción estuvo a cargo de Joe Chiccarelli y fue grabada en los legendarios EastWest Studios, un detalle que explica parte de la dimensión sonora que alcanza el tema. Hay músculo, dramatismo y una energía contenida que explota constantemente entre versos y estribillos.


Más allá de la potencia instrumental, “Instrucciones” reafirma una de las mayores virtudes de Arde Bogotá: transformar la intensidad emocional en himnos capaces de conectar con toda una generación.


Con más de 150 conciertos, sold outs continuos y presencia en festivales de España, Latinoamérica y Estados Unidos, la banda ha construido una trayectoria sólida que ya no se percibe como promesa, sino como una realidad consolidada dentro del rock contemporáneo.


Y mientras el panorama musical parece girar cada vez más hacia lo inmediato, Arde Bogotá apuesta por canciones que siguen respirando fuego, electricidad y emoción real. “Instrucciones” no solo abre un disco: abre una nueva cima para la banda.

Inmigrantes y Jay de la Cueva lanzan “Perdón”, un sencillo íntimo y emocional sobre culpa, aceptación y liberación personal. Entre habitacio...

Inmigrantes y Jay de la Cueva lanzan “Perdón”, un sencillo íntimo y emocional sobre culpa, aceptación y liberación personal.


Entre habitaciones cerradas, noches largas y verdades incómodas, Inmigrantes encuentra una nueva forma de hablar del amor: menos desde el arrepentimiento y más desde la aceptación emocional.

Artista: Inmigrantes feat. Jay de la Cueva
Sencillo: “Perdón”
Productores: Ettore Grenci y Scoop DeVille
Fecha de lanzamiento: 28 de abril de 2026
Género: Indie pop / rock alternativo
Plataformas: Digitales


Hay canciones que nacen para acompañar una ruptura. Otras funcionan como refugio cuando la ansiedad se vuelve demasiado ruidosa. Y luego están esas piezas extrañas que no intentan consolarte: simplemente te obligan a mirar de frente aquello que llevas tiempo evitando.


“Perdón”, el nuevo sencillo de Inmigrantes junto a Jay de la Cueva, pertenece a esa última categoría.


Desde sus primeros segundos, la canción construye una atmósfera íntima, casi suspendida en el tiempo, donde la vulnerabilidad no se presenta como debilidad, sino como una forma brutal de honestidad. Entre sintetizadores suaves, guitarras contenidas y una interpretación profundamente emocional, el tema se convierte en una conversación interna sobre el peso de la culpa y la necesidad —a veces urgente— de dejar de pedir perdón por existir, sentir o elegir.


Porque hay momentos en los que pedir disculpas deja de ser empatía y comienza a convertirse en una prisión.


“Perdón”: el inicio de una nueva etapa para Inmigrantes

En entrevista, Pablo Silberberg explicó que “Perdón” no sólo abre el 2026 para la banda: también funciona como la puerta de entrada a un nuevo álbum que verá la luz este año.


Después de una serie de sencillos lanzados en los últimos meses, el dúo argentino comenzó a construir una narrativa visual y sonora mucho más cohesionada que en trabajos anteriores. Ya no se trata únicamente de canciones aisladas, sino de un universo conceptual donde colores, visualizers, letras y emociones dialogan entre sí.


“Quisimos darle un concepto a toda la imagen del disco”, contó Pablo. “Antes quizás no lo veíamos tan relevante, pero ahora queríamos que todo tuviera conexión”.


Y esa conexión se percibe desde las portadas: colores primarios, estética pop minimalista y una sensación constante de encierro emocional que atraviesa tanto los visualizers como la propia narrativa del álbum.


No es casualidad que en los videos Carlos y Pablo aparezcan atados a una silla, intentando escapar.


La metáfora es evidente: todos habitamos algo que nos retiene.


Jay de la Cueva y la sensibilidad como punto de encuentro

La colaboración con Jay de la Cueva no se siente como una estrategia comercial ni como un cameo decorativo. Al contrario: su presencia potencia la esencia emocional de la canción desde el primer instante.


Pablo reconoce que “Perdón” terminó convirtiéndose en uno de los temas más especiales del disco precisamente porque rompe parcialmente con lo que Inmigrantes venía haciendo. Hay algo más fresco, más abierto y más atmosférico en su construcción.


Y Jay entra ahí como una figura casi mística.


Curiosamente, esa idea terminó reflejándose también en el visualizer oficial, donde el músico mexicano interpreta una especie de guía espiritual que impulsa a los hermanos Silberberg a escapar del encierro.


La colaboración funciona porque ambos proyectos entienden algo fundamental: la melancolía también puede ser elegante.


Inmigrantes y el arte de desaparecer

Durante la conversación apareció una pregunta aparentemente sencilla: ¿A dónde va alguien cuando necesita desaparecer?


La respuesta de Pablo fue caminar.


Salir sin rumbo. Perderse unas horas entre calles o naturaleza hasta que el ruido interno disminuya.


Y quizá ahí se encuentra el verdadero corazón de “Perdón”: no habla únicamente de relaciones personales, sino de esa necesidad humana de huir momentáneamente de todo aquello que nos exige ser una versión incorrecta de nosotros mismos.


“Hay cosas por las que uno no tiene que pedir perdón”, explicó. “A veces uno tiene que priorizar su propio bienestar y avanzar”.


La frase central del sencillo —“Ya ves cuál es la verdad, no pidas más perdón”— no busca sonar arrogante ni desafiante. Su intención es liberadora.


Es la aceptación de que algunas decisiones inevitables terminan lastimando a otros, pero aun así deben tomarse para sobrevivir emocionalmente.


Y eso vuelve a la canción profundamente humana.


Un disco construido como una película emocional

Uno de los aspectos más interesantes del nuevo material de Inmigrantes es su intención narrativa. En lugar de apostar por uno o dos videoclips tradicionales, la banda decidió construir prácticamente un visualizer para cada canción del álbum.


La idea surgió durante una larga noche creativa donde el grupo intentó encontrar un hilo conductor que uniera todo el proyecto.


“Fue como resolver 12 videos en una noche”, recordó Pablo entre risas.


El resultado parece funcionar como una película fragmentada: distintos episodios emocionales conectados por personajes que intentan escapar de sí mismos.


Musicalmente, el próximo disco promete expandir todavía más el sonido de la banda. Pablo lo define como un material ecléctico: pop, indie, rock y atmósferas alternativas conviviendo bajo una misma identidad sonora.


Una evolución natural para un proyecto que, desde hace años, ha encontrado en México uno de sus públicos más cercanos y apasionados.


México, el lugar donde Inmigrantes siempre vuelve a empezar

Cuando Inmigrantes regresó a Ciudad de México el año pasado para tocar en Supremo, la sensación fue la de un reencuentro pendiente desde antes de la pandemia.


“Nos reciben como la primera vez”, dijo Pablo.


Y quizá por eso la conexión entre el dúo argentino y el público mexicano se siente tan genuina. Hay algo en sus canciones —nostálgicas, nocturnas y profundamente emocionales— que dialoga muy bien con una generación acostumbrada a sobrevivir entre ansiedad, contradicciones y exceso de pensamientos.


“Perdón” llega justo en ese momento donde muchas personas comienzan a entender que sanar no siempre significa regresar. A veces simplemente significa dejar de castigarse.


Y en tiempos donde todo el mundo parece pedir explicaciones constantemente, escuchar una canción que propone dejar atrás la culpa puede sentirse casi revolucionario.

Doble Play presenta “Fácil Sencillo”, una cumbia sonidera que mezcla barrio, nostalgia y nuevos sonidos urbanos mexicanos. El dúo capitalino...

Doble Play presenta “Fácil Sencillo”, una cumbia sonidera que mezcla barrio, nostalgia y nuevos sonidos urbanos mexicanos.


El dúo capitalino transforma la nostalgia del barrio en una cumbia contemporánea donde la fiesta, la amistad y la identidad popular se vuelven resistencia emocional.

Artista: Doble Play
Sencillo: “Fácil Sencillo”
Colaboraciones: Radio Malilla, Ratchetón y Sonido Flaming Hot
Género: Cumbia sonidera / Cumbiatón
Lanzamiento: 2026
Disponible en: Plataformas digitales


La cumbia dejó de ser un gusto culposo

Durante años, la cumbia sobrevivió a los prejuicios. Sonaba en patios, bailes callejeros, sonideros improvisados y fiestas familiares mientras parte de la industria musical insistía en verla como un género menor. Pero el barrio nunca dejó de entender algo esencial: la cumbia no necesitaba validación porque ya tenía identidad.


Esa sensación atraviesa completamente “Fácil Sencillo”, el nuevo sencillo de Doble Play, un proyecto que entiende la música popular no sólo como entretenimiento, sino como memoria colectiva. Más que intentar “modernizar” la cumbia, el dúo apuesta por algo mucho más complejo: dialogar con sus raíces sin convertirlas en museo.


La canción funciona como una fotografía emocional del barrio contemporáneo. Hay rebeldía, humor, baile, referencias sonideras y también una necesidad genuina de celebrar lo cotidiano. Porque para Doble Play, la fiesta no es evasión: es comunidad.


“Tal vez la cumbia necesita un refresh”, explican durante la charla. Y esa frase resume buena parte de su visión artística.


“Fácil Sencillo”: entre San Juan de Aragón y los ritmos del futuro

La historia de Doble Play comienza en un territorio donde la música no se estudia: se vive. San Juan de Aragón, una zona históricamente atravesada por la cultura sonidera, marcó la identidad del proyecto desde la infancia.


Crecieron escuchando cumbia en las calles, viendo sonideros en fiestas populares y entendiendo que cada colonia tiene una forma distinta de bailar y apropiarse de la música. Pero antes de construir su propuesta actual, ambos pasaron por escenas completamente diferentes: dubstep, hardstyle, electrónica y reggaetón.


Esa mezcla terminó explotando en una identidad propia.


“Entendemos cómo funciona la cumbia, pero también tenemos hambre de experimentar”, cuentan.


Y eso se siente en “Fácil Sencillo”. La canción mantiene la cadencia tradicional del género, pero introduce arreglos electrónicos, atmósferas contemporáneas y una sensibilidad urbana que conecta con nuevas generaciones sin traicionar la esencia sonidera.


El resultado no intenta sonar “retro” ni tampoco pretende disfrazarse de tendencia global. Suena exactamente a lo que es: jóvenes del barrio reinterpretando la música con la que crecieron.


La nueva ola de la cumbia mexicana ya no le teme a mezclarse

Uno de los puntos más interesantes de la conversación aparece cuando hablan del crecimiento de la nueva escena de cumbia en México. Lejos de competir entre sí, artistas y colectivos parecen estar construyendo una comunidad donde cada propuesta alimenta a la otra.


Ahí aparecen nombres como La Coreañera, Radio Malilla o el propio Sonido Flaming Hot, quienes han ayudado a derribar el viejo estigma de que la cumbia debía esconderse como “gusto culposo”.


“Ya no hay prejuicios”, dicen.


Y quizás esa sea una de las claves del momento actual: la cumbia dejó de pedir permiso para existir dentro de las nuevas narrativas urbanas mexicanas.


En lugar de buscar legitimidad desde afuera, esta generación decidió construir sus propios espacios, sus propios códigos y sus propias fusiones. Por eso hoy una cumbia puede convivir con reggaetón, techno, música electrónica o sonidos rebajados sin sentirse forzada.


El barrio también tiene curaduría musical

La entrevista deja algo claro: para Doble Play, hablar del barrio no significa romantizarlo. Significa entenderlo.


Cuando hablan sobre cómo cambia la música entre colonias, municipios y alcaldías, describen una especie de geografía sonora invisible. No es lo mismo tocar en San Juan de Aragón que en otras zonas de la ciudad. Cada lugar tiene una relación distinta con la música y con el baile.


“Hay lugares donde la gente quiere escuchar algo más selecto”, explican sobre los bailes sonideros tradicionales.


Esa observación resulta fascinante porque rompe con la idea de que la música popular carece de sofisticación. La cultura sonidera tiene memoria, criterio y tradición. Hay una curaduría construida desde generaciones enteras que aprendieron a escuchar la música en comunidad.


Quizá por eso Doble Play entiende tan bien el equilibrio entre experimentar y respetar la raíz.


“Fácil Sencillo” y la importancia de compartir la vida

Aunque la canción está diseñada para bailar, en el fondo hay algo profundamente emocional dentro de su narrativa. El sencillo habla sobre la gente que permanece: amigos, familia, amores honestos y vínculos que sobreviven al caos cotidiano.


No es casualidad que el proceso creativo también haya sido colectivo.


La canción tardó aproximadamente un año en terminarse. Pasó por cambios, nuevas versiones y ajustes hasta encontrar su forma definitiva con la incorporación de Ratchetón, cuya participación terminó por darle el matiz que necesitaba.


“Se hace fácil cuando la gente tiene amor por el género”, comentan.


Y quizás ahí vive el verdadero corazón de “Fácil Sencillo”: no en la nostalgia, sino en la complicidad.


Porque la canción entiende algo fundamental sobre la cultura popular mexicana: las mejores fiestas nunca dependen del lujo, sino de las personas con las que compartes la noche.



Doble Play: hacer música para que el barrio también se escuche hacia adelante

Hay algo profundamente honesto en la forma en la que Doble Play habla de la música. No intentan construir un discurso pretencioso ni vender una falsa revolución artística. Simplemente crecieron rodeados de sonidos y encontraron una manera de reinterpretarlos desde su generación.


Sus referencias van desde Los Ángeles de Charlie hasta Dinastía Pedraza o Alberto Pedraza, pasando por electrónica pesada y reggaetón de barrio.


Todo eso termina chocando —de buena manera— en una propuesta que no teme ensuciarse, bailar o sonar callejera.


En tiempos donde muchas escenas musicales viven obsesionadas con la perfección estética, Doble Play apuesta por algo mucho más valioso: autenticidad.


Y quizá por eso “Fácil Sencillo” funciona tan bien. Porque detrás de la fiesta, las puntitas y el cumbiatón, existe algo mucho más importante: identidad.

Miguel Bosé llegará al Auditorio Nacional con su Bosé Importante Tour 2026 El cantante español Miguel Bosé regresará a la Ciudad de México ...

Miguel Bosé llegará al Auditorio Nacional con su Bosé Importante Tour 2026


El cantante español Miguel Bosé regresará a la Ciudad de México con dos fechas especiales en el Auditorio Nacional como parte de su “Bosé Importante Tour 2026”.

Las presentaciones se llevarán a cabo los próximos viernes 15 y sábado 16 de mayo de 2026, marcando el retorno de una de las figuras más representativas de la música en español a uno de los escenarios más emblemáticos del país.

Miguel Bosé se presentará el 15 y 16 de mayo de 2026 en el Auditorio Nacional de CDMX como parte de su Bosé Importante Tour 2026.

Con una trayectoria que abarca décadas y una discografía que ha marcado generaciones, Miguel Bosé se ha consolidado como uno de los artistas más influyentes dentro del pop latino, gracias a un estilo que mezcla elegancia, presencia escénica y canciones que se han convertido en clásicos.

El “Bosé Importante Tour 2026” promete recorrer distintas etapas de su carrera, ofreciendo una experiencia enfocada tanto en la nostalgia como en la conexión con el público que ha acompañado su música a lo largo de los años.

Además de su propuesta musical, Bosé continúa siendo una figura reconocida por su identidad artística y su capacidad para transformar cada presentación en un espectáculo visual y emocional.

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 Yung Beef presentará “El Día de la Bestia” en Pepsi Center CDMX El artista español Yung Beef llegará a la Ciudad de México con su show “El...

 Yung Beef presentará “El Día de la Bestia” en Pepsi Center CDMX


El artista español Yung Beef llegará a la Ciudad de México con su show “El Día de la Bestia”, una presentación que promete reunir la energía cruda y el estilo que lo han convertido en una de las figuras más influyentes del trap en español.

La cita será el próximo viernes 15 de mayo de 2026 en el Pepsi Center WTC, recinto que recibirá una noche enfocada en el sonido urbano, el caos visual y la estética que caracteriza al proyecto del artista.

Con una carrera marcada por la mezcla entre trap, reggaetón y sonidos experimentales, Yung Beef ha construido una identidad propia dentro de la escena hispana, convirtiéndose en referente para toda una generación ligada a la música urbana alternativa.

“El Día de la Bestia” apunta a ser una experiencia intensa para sus seguidores, llevando al escenario una propuesta que combina actitud, producción visual y algunos de los temas más representativos de su trayectoria.

El show también representa el regreso de Yung Beef a México, un país donde su música ha conectado fuertemente con públicos ligados al trap y la cultura urbana contemporánea.

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Midnight Generation joins Ohana Festival 2026 lineup in California Mexican synth-pop band Midnight Generation is set to bring their late-ni...

Midnight Generation joins Ohana Festival 2026 lineup in California


Mexican synth-pop band Midnight Generation is set to bring their late-night grooves and disco-infused sound to the California coast as part of the Ohana Festival 2026 lineup.


The festival will take place on September 25, 26 and 27 at Doheny State Beach, celebrating the festival’s 10-year anniversary with one of its strongest lineups to date.


This year’s headliners include Eddie Vedder, Maná, Billy Idol, Tyler Childers, Alabama Shakes, Pearl Jam, Fontaines D.C. and Pixies.


Known for blending funk, disco, synth-pop and retro aesthetics, Midnight Generation has steadily become one of the most exciting acts coming out of the Mexican indie scene. Their sound feels tailor-made for sunset stages, beach crowds and late-night festival energy.


Ohana Festival, curated by Eddie Vedder, has built a reputation for combining major international acts with artists who bring a unique atmosphere to the lineup, making Midnight Generation a natural fit for the event’s coastal and alternative identity.


The band’s appearance at Ohana also reflects the growing international presence of Mexican alternative music, continuing to push beyond local scenes and into global festival circuits.


🎟 Tickets are available now through the official Ohana Festival website


Festival Arre 2026 revela cartel oficial con Alejandro Fernández y Banda MS El Festival Arre Pepsi Black 2026 finalmente reveló su cartel o...

Festival Arre 2026 revela cartel oficial con Alejandro Fernández y Banda MS


El Festival Arre Pepsi Black 2026 finalmente reveló su cartel oficial y promete una de sus ediciones más ambiciosas hasta el momento, reuniendo desde figuras históricas del regional mexicano hasta proyectos que actualmente dominan la nueva ola del género.

El festival se realizará los próximos 5 y 6 de septiembre de 2026 en el Autódromo Hermanos Rodríguez, consolidándose como uno de los encuentros más importantes dedicados al regional mexicano en el país.

Entre los nombres principales destacan Alejandro Fernández, Banda MS, Los Tucanes de Tijuana, Eslabón Armado y Gabito Ballesteros, quienes encabezarán una alineación que mezcla distintas generaciones y estilos.

El cartel también incluye proyectos como Grupo Cañaveral, La Sonora Dinamita, Los Dos Carnales, Los Plebes del Rancho y Victor Mendivil, ampliando la propuesta musical del festival hacia sonidos que van desde la banda y el norteño hasta la cumbia y los corridos contemporáneos.

Uno de los puntos más interesantes de esta edición es precisamente la convivencia entre artistas clásicos y nuevas generaciones que han transformado el panorama del regional mexicano en los últimos años.

La gran venta de boletos comenzará este 13 de mayo a las 14:00 horas para tarjetas HSBC Premier Crédito y Débito, mientras que el 14 de mayo continuará para tarjetas HSBC Crédito y Débito.

🎟 Los boletos estarán disponibles a través de Ticketmaster